🗓 Efeméride: 16 de abril de 1889.
🎭 Nace Charlie Chaplin en Londres, icono del cine mudo y figura universal del humor y la crítica social. Su personaje "Charlot" marcó generaciones y dejó una huella imborrable en la historia del cine.
📸 Charlie Chaplin en "Modern Times" (1936) / Wikipedia
📽️ Brigitte Helm en el set de Metropolis (1927), obra maestra de Fritz Lang. Una imagen que resume el vértigo moderno: la actriz atrapada en la armadura del futuro, asistida como una diosa-máquina. El cine expresionista como arte total. #CineMudo #Metropolis #FritzLang #HistoriaDelCine 🎬✨
El fin del mundo (Verdens Undergang) es un film danés de 1916 considerado la primera película apocalíptica de la historia que puedes ver online gratis #Cine #Pelis #PelisAntiguas #Retro #Vintage #PelisOnline #CineMudo #DominioPublico #CineOnline
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El merchandising de artistas en 1916: cojines bordados con oro viejo
Hoy en día, es común ver camisetas, tazas y pósters de artistas famosos, pero el merchandising de celebridades no es algo reciente. En una revista Cine Mundial de 1916, me encontré con una curiosidad increíble: ¡vendían cojines bordados con oro viejo con la firma de actores populares de la época!
Estos cojines autografiados eran una forma exclusiva de mostrar admiración por las estrellas del cine mudo. Entre los artistas disponibles estaban Francis Bushman, Mary Pickford y Clara Kimball Young, figuras icónicas de la era dorada del cine silente.
Este hallazgo demuestra que el fenómeno del «merch» de celebridades lleva más de un siglo en marcha, adaptándose a cada generación. ¿Te imaginas tener un cojín bordado con oro de tu actor o actriz favorita en la actualidad?
📜 ¿Conocías este dato sobre el cine clásico? Déjamelo en los comentarios.
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Se aproxima una nueva adaptación del Clásico del cine mudo y de terror "Nosferatu" y ¿Qué mejor que recordarla y hablar un poco de ella para saber de donde viene la nueva?
Manos a la obra...
En 1⃣9⃣2⃣2⃣ se estrenaba por todo lo alto la película "Nosferatu" 🧛 del director F.W. Murnau bajo el sello de una productora extraña llamada Prana Film especializada en películas ocultistas y fantásticas.
Albin Grau, fundador de Prana Film, era una persona peculiar. Estaba obsesionado con el ocultismo, el vampirismo y formaba parte de grupos esotéricos, pero fue el verdadero artífice de "Nosferatu" 🧛 (1922)
Durante la I Guerra Mundial 👨🏭👩🏭 conoció a un granjero Serbio 🇷🇸 que le informó de que su padre era un Vampiro. En lugar de dejarlo en una ocurrente anécdota, Grau encargó al guionista Henrik Galeen una adaptación de la novela Drácula de Bram Stoker
Como no habían adquirido los derechos cinematográficos hicieron algunos cambios estéticos, por lo que el Conde Drácula sería llamado el Conde Orlok entre otras cosas... La viuda de Bram Stoker actuó de inmediato demandando a los productores.
Prana Film se había declarado en bancarrota previamente a la demanda y los propietarios de los derechos de la película se negaron a pagar 💰 lo demandado por la viuda de Stoker.
La viuda de Stoker ganó el juicio y en 1⃣9⃣2⃣5⃣ el juez decretó la requisa y destrucción 🔥 de todas las copias de la película 🎞️.
Afortunadamente algunas copias habían llegado al extranjero, pero eso no quitaba el peligro que corría toda proyección bajo la amenaza de destrucción de la copia por parte del equipo legal de la heredera de Stoker. Pues... Ver Nosferatu era un ejercicio de aventura.
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El Manual Secreto de Hollywood 1922: Cuando el Cine Decidió Redefinir la Belleza 🎬
Imagínense esto: 1922, Hollywood está en pleno boom, y la revista Cine Mundial suelta una bomba más controversial que un escándalo de casting moderno. ¿El tema candente? Resulta que Hollywood se autoproclamó «escuela de belleza». Sí, así como lo oyen, antes de los tutoriales de maquillaje en YouTube, teníamos a la meca del cine enseñándonos a ser «bellas» ✨
El Poeta Amado NervoEntra en escena Amado Nervo, nuestro poeta mexicano favorito, el primer influencer del «todas somos hermosas» antes de que existiera Instagram. Con unos ojos que veían belleza hasta en un perchero con sombrero, este visionario insistía en que no existían mujeres feas. ¿Romántico empedernido o precursor del marketing inclusivo? ¡Tú decides! 🎭
Según nuestro poeta iluminado, cada hija de Eva tenía algo irresistible, algo misterioso, algo inefable… básicamente, algo que solo él podía ver con sus ojos de poeta. ¿Miopía poética o tercera vista espiritual? El mundo nunca lo sabrá 👀
Y aquí viene la parte jugosa: un productor de cine (de esos que siempre saben más que nadie) soltó la bomba que revolucionaría Hollywood: «¡Las caras bonitas ya no importan en el cine mudo!» Imaginen el shock. Era como decir que los filtros de Instagram no importan en 2024 😱
Mary PickfordPero esperen, que esto se pone mejor. Está Mary, la reina indiscutible del «no soy guapa, soy interesante». Los críticos, haciendo malabares verbales dignos de un circo, decían que no era bonita sino «algo más que bonita». Spoiler alert: ese «algo más» era lo que hoy llamaríamos «personal brand», pero con más glamour y menos hashtags 💫
Norma TalmadgeY luego tenemos a la legendaria Norma Talmadge, la maestra del «me desperté así». Su superpoder: hacer que la perfección pareciera casual mientras secretamente ensayaba cada pestañeo. La OG del «no makeup makeup look» antes de que existiera el término 👑
¿La verdadera revolución? Descubrir que la belleza era tan variada como los dramas detrás de cámaras. Podía ser la vivacidad de una risa coqueta, el misterio de una mirada soñadora, la elegancia de unas manos «espirituales» (sea lo que sea que eso signifique), o simplemente ese no-sé-qué que hace que la cámara te ame 🌟
Y aquí está la verdadera joya de sabiduría que nos dejó 1922 (y que sigue siendo igual de relevante hoy): No existe un único estándar de belleza. Como un diamante, la belleza tiene múltiples facetas, y cada persona brilla de manera única cuando encuentra su luz adecuada. El verdadero truco no está en tratar de encajar en un molde preestablecido, sino en conocerse lo suficientemente bien como para saber qué faceta es la tuya y cómo hacerla brillar ✨
Así que la próxima vez que te mires al espejo, recuerda: no busques la belleza que otros quieren ver en ti, encuentra la que ya existe en tu interior. Después de todo, como descubrieron nuestras antepasadas del cine mudo, la verdadera magia no está en ser «perfecta», sino en ser perfectamente tú misma 🌟
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Hace poco, hojeando una edición de 1925 de la revista Cine Mundial, encontré un anuncio de Cutex protagonizado por la famosa actriz de cine mudo, Colleen Moore. Al ver su estilo, con ese corte de cabello bob y esa mirada única, de inmediato recordé al personaje de Lisle Von Rhuman, interpretado por Isabella Rossellini en La muerte le sienta bien. Las similitudes son tan fuertes que no pude evitar preguntarme: ¿será que Moore inspiró a Lisle?
Collen MooreColleen Moore fue una gran estrella en los años 20 y ayudó a popularizar el estilo flapper: un look moderno, con un peinado corto y una actitud libre. En su época, Moore era un símbolo de elegancia y rebeldía. Su presencia en el cine mudo marcó un estilo icónico, que tal vez dejó huella en Hollywood durante décadas. En el anuncio de Cutex, ella muestra una imagen segura y misteriosa, algo muy parecido al encanto que Rossellini aporta al personaje de Lisle.
Isabella Rossellini en la película la muerte le sienta bien.En la película, Lisle Von Rhuman es una mujer rodeada de misterio, elegancia y lujo. Es dueña de un secreto sobre la juventud eterna, y su estilo parece sacado directamente de los años dorados de Hollywood. Al igual que Moore, lleva joyas llamativas, maquillaje impactante y un peinado que recuerda a aquella época. Estas similitudes hacen pensar que Lisle podría ser un homenaje a Colleen Moore y al glamour de los años 20.
Collen Moore¿Será que el equipo detrás de La muerte le sienta bien se inspiró en Colleen Moore para crear a Lisle? La conexión es difícil de ignorar. Esta mezcla entre el cine clásico y el personaje de Rossellini añade un toque especial a la película, dándonos un vistazo a una época de gran estilo en Hollywood.
¿Qué opinan ustedes? ¿Les parece que Lisle Von Rhuman es un homenaje a Colleen Moore y al espíritu de los años 20?
https://elblogdelascuriosidades.com.mx/2024/10/26/collen-moore-lisle-von-rhuman-inspiracion/
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En un reciente recorrido por la revista Cine Mundial de 1925, encontré una declaración del Sr. William P. Earle, quien decía que «el paisaje de México era excepcional para hacer películas» y prometió fundar una empresa para aprovechar esta oportunidad. Esto me llevó a investigar más sobre él.
William P. Earle fue un director estadounidense de la era del cine mudo. Fundó, junto a JS Joffe, Amex Production Corporation, una productora que, aunque breve, se enfocó en usar los paisajes y la cultura de México en sus películas.
Earle filmó sus dos últimas películas en México, mostrando su interés por el país y su potencial en el cine. A partir de ahí, México ha sido el escenario de infinitas películas mundialmente conocidas, como Romeo y Julieta o La mexicana. Su historia resalta la importancia de México en la cinematografía.
La película Romeo y Julieta, mostró varias locaciones de la ciudad de México.En resumen, William P. Earle fue un pionero que vio en México un gran lugar para hacer cine. Su legado nos recuerda la riqueza de los paisajes y la cultura que pueden enriquecer las películas.
Nota publicada en la revista Cine Mundial de Marzo de 1925.https://elblogdelascuriosidades.com.mx/2024/10/25/william-p-earle-cine-mexico/
Clara Bow fue una de las más grandes estrellas del cine mudo, cuyo carisma y talento la convirtieron en un ícono de Hollywood. Sin embargo, a pesar de su éxito, incluso en los primeros años de la década de 1930, la industria del cine ya imponía estrictos estándares de belleza, particularmente en cuanto a la extrema delgadez de sus estrellas femeninas.
En 1933, Clara Bow perdió el papel protagonista en la película Child of Manhattan debido a que no cumplía con los requisitos de peso que se esperaban de las actrices de la época. Este evento ocurrió antes de la implementación del Código Hays, que regularía la moralidad en las producciones cinematográficas, pero ya reflejaba las presiones estéticas que enfrentaban las mujeres en la industria.
Este incidente destaca la lucha constante que enfrentaron muchas actrices de la época, donde el talento no siempre era suficiente si no se ajustaban a los estrictos estándares físicos que demandaba Hollywood.
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En 1918, Charlie Chaplin ya se había convertido en un fenómeno de taquilla que pocos podían igualar. Un ejemplo claro de su estatus lo encontramos en un anuncio publicado en la revista Cine Mundial, donde se observa un dibujo de una multitud de personas ansiosas por entrar al cine y ver su más reciente estreno, Vida de Perro. La imagen ilustra perfectamente el magnetismo de Chaplin, un actor cuya sola mención era suficiente para llenar las salas de proyección. En esa época, no existían redes sociales ni trailers que adelantaran lo que el público podía esperar de la película, pero eso no importaba; el nombre «Chaplin» era garantía de éxito.
Chaplin no necesitaba largas campañas de marketing ni estrenos rodeados de misterio para atraer a la audiencia. Su talento y el carácter único de su estilo humorístico bastaban para asegurar que el público acudiera en masa al cine. La gente no sabía exactamente qué iba a ver, pero sí sabían que se reirían, se emocionarían y disfrutarían de una experiencia inolvidable. Chaplin representaba la promesa de entretenimiento de calidad, algo que, en plena era del cine mudo, se traducía en llenar cines sin la necesidad de adelantos o estrategias publicitarias complicadas.
¿Existe Hoy una Figura Similar?
Actualmente, el panorama cinematográfico ha cambiado enormemente. Aunque existen actores y directores reconocidos que aseguran cierto éxito en taquilla, pocos logran generar el nivel de anticipación y devoción ciega que Chaplin alcanzaba en su apogeo. Hoy en día, los trailers, campañas publicitarias y reseñas juegan un papel crucial en la decisión del público de ir al cine. Incluso grandes nombres de la industria necesitan de estos recursos para atraer a las masas. En muchos casos, el público espera con ansias los avances y materiales promocionales para decidir si una película merece su tiempo y dinero. Esto plantea la pregunta: ¿habrá algún actor o director en la actualidad que, como Chaplin, pueda llenar cada sala de cine simplemente con su nombre, sin que el público necesite ver un solo frame de la película?
Es difícil encontrar una figura que se compare. Las estrellas actuales, aunque muchas son altamente reconocidas, están sujetas a un sistema mucho más competitivo y diversificado que el de hace más de un siglo. Además, la oferta de entretenimiento ha cambiado: las plataformas de streaming, los videojuegos, y otras formas de ocio han diluido la exclusividad del cine como el principal centro de entretenimiento.
Chaplin no solo representaba una novedad constante en el cine, sino que su estilo de comedia visual, en una época donde el lenguaje era secundario, lo hacía accesible para audiencias de todo el mundo. Era una figura universal. Si bien en la actualidad hay actores y directores con seguidores fieles, es poco probable que se repita un fenómeno como el de Chaplin, que, sin un solo adelanto o campaña elaborada, podía llenar una sala solo con la promesa de que aparecería en pantalla.
El Legado de Chaplin en el Cine Actual
A más de un siglo de su apogeo, el legado de Charlie Chaplin sigue vivo. Su influencia se puede ver en la evolución del humor en el cine y la televisión, así como en la forma en que los grandes actores y directores buscan dejar su huella en la historia del cine. Pero lo que realmente destaca es cómo su nombre fue, y sigue siendo, sinónimo de cine de calidad, algo que pocas estrellas modernas logran de manera tan consistente.
Hoy en día, el público busca referencias, trailers, opiniones y recomendaciones antes de comprar una entrada al cine. La masificación de la información y la facilidad de acceso a ella ha cambiado la forma en que consumimos entretenimiento, algo que parecía innecesario en los tiempos de Chaplin. En su época, bastaba con saber que él estaba involucrado en una película para que la audiencia se lanzara a las salas de cine sin dudarlo. Eso es algo que, difícilmente, volveremos a ver.
https://elblogdelascuriosidades.com.mx/2024/10/22/charlie-chaplin-fenomeno-taquilla-1918/
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¡Revive la magia del cine mudo con La Ley de la Hospitalidad de Buster Keaton! 🎬 Restaurada en 2K y disponible en Blu-Ray. Lee nuestra reseña en cinemascomics.com #CineMudo #BusterKeaton #CineClásico https://www.cinemascomics.com/la-ley-de-la-hospitalidad-blu-ray/
Descubre la magia de “El Perro”, un cortometraje único desde México.
El Perro es un cortometraje en blanco y negro que captura la esencia del cine mudo con una maestría impresionante. Producido por The Psyco Bunny Films y dirigido por Alberto Aguilar, este filme se destaca por su simbolismo y profundidad, a pesar de su aparente sencillez.
Desde los primeros segundos, El Perro nos transporta a un mundo donde el silencio es poderoso y la imagen es el lenguaje dominante. La cinematografía en blanco y negro no solo homenajea al cine clásico, sino que también añade una capa de nostalgia y reverencia a la historia.
Su sinopsis y posibles interpretaciones
El cortometraje nos presenta a un hombre que adopta una máscara hecha del cráneo desnudo de un can y comienza a comportarse como un perro. Su transformación no es solo física, sino también espiritual, llevándonos a reflexionar sobre la identidad y la naturaleza humana. Esta metamorfosis es observada por una mujer que danza incansablemente en el desierto, realizando rituales que parecen estar cargados de significado y misterio.
El Perro utiliza símbolos para tejer una narrativa visual que invita a múltiples interpretaciones: la máscara del perro puede verse como una alegoría de la pérdida de la humanidad, una crítica a la domesticación y la sumisión. La danza ritual de la mujer, en medio de un paisaje árido y desolado, podría representar la lucha por la supervivencia mientras se busca conectar con lo sagrado.
Una magnífica sorpresa
La dirección de Alberto Aguilar es precisa y evocadora, guiándonos a través de un viaje introspectivo sin necesidad de palabras; se puede apreciar una evolución significativa en su dirección, mostrando una mayor madurez y confianza en su estilo visual y narrativo. La ausencia de diálogo no es un vacío, sino una elección estilística que permite que las acciones y los gestos hablen por sí mismos. Esta decisión de rendir homenaje al cine mudo no solo muestra respeto por los pioneros del séptimo arte, sino que también desafía al espectador a encontrar su propia interpretación.
La música en El Perro es hermosísima, se te queda en la cabeza y cumple con el papel de encantarte y atemorizarte por lo que ves. Los efectos sonoros y la banda sonora juegan un papel crucial, subrayando la tensión y la emoción de cada escena. El diseño de sonido minimalista refuerza la atmósfera inquietante y nos mantiene al borde del asiento, anticipando cada movimiento y cada giro en la historia.
El Perro es un recordatorio del poder del cine para comunicar y emocionar sin depender del diálogo; su simbolismo rico y su evocadora estética nos invitan a explorar temas profundos y universales desde una perspectiva fresca y original. La obra de Aguilar destaca como una pieza de arte que trasciende el tiempo y las fronteras, ofreciendo una experiencia cinematográfica única y memorable.
El Perro es una experiencia sensorial y emocional que resuena con el espectador mucho después de que los créditos han terminado. Te invitamos a ver esta obra maestra y a compartir tus interpretaciones y emociones en los comentarios. ¿Qué simboliza la máscara del perro para ti? ¿Qué significan los rituales de la mujer en el desierto? ¡Comparte tu perspectiva y únete a la conversación sobre este fascinante cortometraje!
En una película muda de 1930 ("Prim", de José Buchs), cuando el general Prim se dirige a los "voluntarios" catalanes que han ido a la guerra de África, los intertítulos aparecen en catalán. Parece que la variedad lingüística de España estaba mucho más normalizada que ahora, cuando todavía se anda discutiendo si se pueden usar las lenguas llamadas "co-oficiales" en el Congreso de los Diputados #LenguasyCine #cinemudo #cineespanol
Frikada a la vista...
"Aelita" 🪐🚀 (1924) de Yákov Protazánov
Parece ser que inspiró series y películas como Flash Gordon y Metrópolis (1927) ¿Me gustará?
Por desgracia, mi copia no tiene audio. Es una película muda (o eso creo), pero un poco de música se agradecería... La tendré que poner yo por mi cuenta. 😜
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The Cat and the Canary, (Paul Leni, 1927)
La passion de Jeanne d'Arc | Carl Theodor Dreyer
Normalmente cuando me preguntan que películas veo y les hablo de mi fascinación por el cine mudo y/o en blanco y negro me miran con cierta rareza. Me da igual. Esta es una película que me impresionó mucho cuando la descubrí. Con tan pocos recursos técnicos pero realizada con mucho oficio, logra convertirnos en Juana de Arco y ver la pericia de su juicio, a pesar de saber de antemano el resultado final :´c
